백지장

S#3 Sungjun Park solo show [S#3 박성준개인전]

Artist : 박성준

전시기간 : 2019/10/26 ~ 2019/11/01

S#3 Cinema experience, with space without screen / Seongjun Park / 백지장 / 2019.10.26 ~ 11.01


내러티브(narrative)와 인터랙티비티(interactivity) 결합된 영화적 인터랙티브 설치실험을 하는 “cinema experience, with space without screen”. 영화와 같은 이야기가 상영관이 아닌 실제 공간에서 관람자의움직임에 따라 전개된다. 영화와 설치미술 그리고 인터랙티브 장치들이 뒤섞인 본 프로젝트는 인간의 욕망과 불안의 갈등에 기인하여 우리 사회에서 발생하는 광기와 공포를 다루며 나아가 정신분열로 대변되는 미디어와 자본주의 시스템에 관한 담론을 담고 있다. 이것은 자본주의에 의해 물화가 되고 미치지 않고서는 버틸 수 없는 사람들 그리고 자신이 미친 줄도 모르고 사는 사람들에 관한 이야기들로 마치 영화에서나 가능할 것 같다.영상(가상)과 실재를 혼재시키며 살아가는 그들의 이야기는 직접적이든 간접적이든 우리와 관계되어 있으며 영화적으로 스스로 반영된 인간의 모습이다.



‘영화’라는 존재에 질문을 던지다. Cinema Experience VS Interactive Cinema

애초에 영화는 이미지에 새로운 차원(dimension)의 문제를 안고 등장했다. 영화에서 이미 지는 일루전(illusion)효과가 더해지면서 사실성과 함께 경합을 이뤘고, 다큐멘터리나 실험영화 그리고 새로운 미디어 아트까지 자신의 영역을 확장시켜 나갔다. 그리고 뤼미에르 형제가 영 화는 미래가 없는 매체라며 비관적으로 예측했던 것과는 달리, 현재까지 예술과 기술의 진보 와 함께 그 위치를 견고하게 지켜내고 있다. 이러한 복잡 다양한 영화의 역사를 되짚어 거슬러 가보면 회화나 사진까지 거론하게 된다. 정지되어 멈춰진 이미지와 달리 ‘영화’만의 재현의 방법들을 굳이 따지자면 우리는 ‘움직임을 가진 이미지’라는 본질을 지나칠 수 없게 된다. 이미지의 움직임에 매료된 사람들은 곧이어 시, 공간을 새로운 차원으로 만들어 냈고 허구의 서사를 덧입혀 관객들에게 보는 것, 그 이상 의 무언가를 전달하는데 성공한다. 사실 이 움직임의 예술에서 시각적 표현 자체는 불완전한 감각이다. 때문에 영화에는 청각 적 경험을 위한 사운드를 필요로 하고, 여기에 사실적으로 경험하게 만드는 배우의 연기, 그 리고 지각적 경험을 하게 되는 내러티브의 논리를 갖춘 시나리오를 필요로 한다. 영화가 진화 하는 동안 관객들은 항상 재현의 ‘새로움’을 보길 원했고, 거기에는 ‘도구’로서 차별성을 갖춰 야 하는 시도가 뒤따랐다. 퓨쳐 시네마(future cinema), 입체영화(3D dimensional film)와 같은 지속적인 제안들은 그러한 예이다. 이렇게 영화는 2D의 차원을 넘어서 3D, 4D, VR 시네마 등과 같이 새로운 차원을 제공하며 다른 공간들을 경험하게 만들었음을 부정할 수 없다. 때로는 영화는 프랑스의 아벨강스나 장뤽 고다르와 같은 앞선 감독들에게 ‘치료’ 혹은 ‘실 험’의 도구로 쓰여 지기도 하고, 과거 소비에트와 독일의 어떤 집단에게는 선전이나 사상교육 의 도구, 또 어떤 이들에게는 자기 반영성을 드러내는 일종의 거울로 쓰여 지기도 한다.
그렇다면 박성준 작가에게 있어 영화는 어떤 도구인가. 그에게 ‘영화’는 항상 질문의 대상이자 모티프(motif)었다. 즉, 영화가 ‘무엇’이고, 영화를 어떤 ‘도구’로 쓸 것인가에 대한 그의 질문은 창작의 출발점이자 오랜 숙제였다. 고등학교 시절부터 단편영화를 만들기 시작했던 그의 영화 활동은 스위스 유학을 떠나며 오랫동안 멈춰지다가 최근의 전시에서 다시 이어진다. 추측하건대, 박성준 작가에게 있어 영화는 보는 것(see)과 보여주기(show)의 차원을 넘어서 지 못하는 비관적인 매체였기 때문에 오히려 경험(experience)적 서사 혹은 전시에 주목했는지 모른다. 그것이 그가 영화를 일종의 ‘올드 미디어’라 여기고, 또 이것을 넘어서는 ‘뉴 미디어’에 대한 관심과 조우로 돌아선 이유가 아닐까. 그렇다. 그는 여전히 ‘영화’ 라는 이 두 글자에서 벗어나지 못하고 주변을 맴돈다. 이러한 까닭에 관객(관람자) 역시 그의 작품을 두고 ‘전시를 봤다’라는 말 대신 ‘영화적인(cinematic) 전시를 경험했다’라는 표현을 하게 된다.
앞서 그가 전시했던 ‘MONTAGE’ 시리즈가 내러티브와 인터랙티브의 실험적 도구로서 쓰여 졌다면 이번에는 영화에 대해 더욱 우호적인 입장으로 보여진다.
박성준 작가의 금번 전시 는 앞서 언급한 ‘불완전한 감각’을 채우는데 있어 관람자 스스로가 배우가 되는 일종의 연기(acting)를 유도한다. 즉 이 전시는 ‘영화’를 보는 것이 아닌 ‘영화’를 경험하며 감독의 디렉팅(directing)을 전달 받게 되는 것이다. 흥미롭게도 감독(이하: 작가를 감독이라 대신하여)은 이 프로덕션 현장에 직접 등장하지 않고 몇 가지 미션만 남긴다. 관람자(배우)는 감독이 남긴 전화번호로 연락을 하면, 전화를 받는 배우와 인터랙션(대화)을 하게 되고, 새로운 서사를 경험하며 이야기를 즉흥적으로 만들어간다. 이렇게 세 군데의 전시장을 이동하며 능동적 참여를 하게 되는 것이다. 사실 그의 관심은 분명 여기에 있어 보인다. 감독의 통제에 의해 만들어진 시각적 생산물이 TV, 영화와 같은 스크린에 묶여 있기 때문에, ‘보는 것’보다 새로운 차원의 감각을 경험하길 원하는 것이다. 쉽게 말해 ‘시청(watching)’ 하기 보다는 경험(experience)을 원한다는 것이다. 주지하듯이 영화는 감독이나 작가가 쓴 시나리오로 진행된다. 이번 전시에서 주목해야 할 것은 관람자가 내러티브를 구성해나가는 방식이다. 박성준 감독의 영화적 시도는 오프닝부터 엔딩까지 시나리오를 정해놓은 전통적인 영화의 방식을 가져오되 스토리를 ‘보는 것’이 아닌 ‘경험 하는 것’으로 치환시키는데 있다. 물론 이러한 방식은 우리가 기존의 인터랙티브 영화(Interactive Cinema)에서 이미 경험했던 것인데, 박성준 감독의 이러한 독특한 시도는 인터랙션을 하는 배우와 관람자와의 대화(dialogue), 예상치 못한 반응(reaction), 을 유도하는 연출(directing)에 있다. 전시의 분위기는 공포와 스릴러, 블랙 코메디 장르를 연상하게 되지만 규정짓기 힘들고, 픽션과 다큐멘터리의 혼종적인 것, 다큐멘터리에서도 다이렉트 시네마(Direct Cinema)와 시네마 베리테(Cinema Verite) 사이의 어느 경계에서 머문다. 이쯤에서 필자는 그의 표방하는 영화의 스타일이 자기반영성과 연관 지어진다고 가늠해본다.
앞서 말했듯이 장 뤽 고다르, 알프레드 히치콕을 비롯해 많은 작가들과 감독들은 자기 반영성에 대한 시도를 해왔다. 예를 들어 소격효과(낯설게 하기), 제 4의 벽을 허물며 스크린을 응시하거나 관객에게 말을 건네는 방식의 거리두기, 재현은 모두 ‘자기 반영성’을 드러내는 공통점을 갖는다. ‘낯설게 하기’의 미학은 이렇게 은유적 사유를 유도하게 만들며 새로운 기호와 우리를 연결시킨다. 여기서 만들어진 ‘거리감’은 의미를 상실하게 하는 동시에 새로운 의미를 생성하게 하는 기능이며, 텍스트 자체의 힘을 더욱 강하게 만들어 관람자를 자유로운 주체로 만든다. 다소 복잡하고 어려운 개념이지만, 간단히 말해 본질적인 것을 왜곡하는 동시에 자유로운 해독을 확대하며 새로운 지평을 경험하게 하는 것이다. 이러한 전략들 중 여러 방법들과 시도가 있겠지만 대부분의 작가들은 창작 과정 중인 자신을 드러낸다. 혹은 장르와 형식을 허물거나 변형시키는 방법을 통해 다른 차원(dimension)으로 옮겨가게 만든다. 같은 맥락에서 볼 때 박성준 감독은 이미 이러한 ‘자기반영성’을 재현하는데 관심을 두고 있었다. 전시와 영화의 경계를 허물고 규정짓지 못하는 인터랙티브의 구현 그 자체에서 말이다. 그의 재현의 방식에서도 여러 가지 단서들이 있지만 필자에게는 지난 전시 <육지 것들은 절대로 믿지 말며, 제주에 있는 사람들에게 속마음을 말하지 말라>를 다시 언급하고 싶다. 우리가 관람 내내 함께 했던 ‘돌’이 그것이다. 그리고 이번에는 ‘거울’이다.
특히 이번 전시에서 거울은 단순한 소품(Props)이나 장식의 오브제가 아닌 자기반영성을 드러내는 장치(dispositif)인 것이다. 여기서 가장 흥미로운 점은 그의 전시에서 ‘거울’이 모든 서사를 전복시킨다는 것이다. ‘거울’은 관람자 자신이 전시를 마주하게 만들며 마치 배우의 역할을 하고 있던 자신의 위치(역할)를 바꿔 버린다. 쉽게 말해 ‘감독’이 ‘관객’이 되고 ‘관객’이 ‘감독’이 되는 셈이다. 이렇게 규정짓지 못하게 만들며 미끄러져 나가는 방식의 전시는 점점 박성준 작가(감독)의 스타일이 되어간다고 느껴진다. 이러한 연유로 필자는 이 글을 쓰며 그에게 감독과 작가를 혼용하게 되었다. 이번 전시는 과거 영화의 작가주의와 태도를 두고 알렉산드르 아스트뤽(Alexandre Astruc)이 명명한 (Camera stylo)와 겹쳐지는 전시이기도하다. 어쩌면 그의 전시를 해독하거나 비평하는 일은 관람자에게 실례가 될 지도 모른다.
‘Cinema Experience’의 경험. 그 자체가 주는 힘이 가장 크기 때문이다. / 글 김로유

김로유(교수, 영화감독)
▲프랑스 파리 8 대학 영화 연출 전공 ▲중앙대학교 첨단영상대학원 영상 예술학 석, 박사 (MFA, Ph.d)
▲유 프로덕션 대표 역임 ▲홍익대학교 영상대학원 / 영상 애니메이션 전공 초빙교수 역임
▲현) 한국 폴리텍대학 영상디자인과 교수


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